Questões Artes Visuais para Concursos

A imagem trazida para a sala de aula é uma ilustração para os conteúdos de história da arte.

Ler uma imagem é um procedimento realizado através de um roteiro pré-estabelecido, independentemente do trabalho de arte utilizado.

As imagens podem ser trabalhadas em sala de aula, contanto que sejam da arte clássica, já consagradas pela história da arte.

O professor é quem determina quais conteúdos serão discutidos a partir de uma imagem da arte em sala de aula.

Realizada coletivamente em sala, é um procedimento que possibilita aos alunos o fazer artístico.

O objetivo do ensino da arte é formar artistas e desenvolver os alunos tecnicamente.

Articular saberes formais, simbólicos, históricos e contextuais sobre trabalhos de arte possibilita a formação de um olhar crítico para a visualidade.

As aulas de arte são um espaço aberto, sem contornos fixos usados pela escola, para desenvolver atividades de distração.

As aulas de arte são o espaço em que o aluno recebe o repertório imagético, abrindo mão daquele que traz de sua vivência.

Os métodos para ensino da arte devem ser eficazes no estabelecimento do saber erudito.

Na escola tradicional, o objetivo do ensino da arte era possibilitar a livre expressão das crianças e jovens.

Na escola nova, o professor era considerado o detentor do conhecimento que era transmitido aos alunos.

Na escola tradicional, o desenho de observação era uma atividade que fazia parte dos métodos adotados.

Na escola tecnicista, foram adotados métodos progressistas e inovadores, com vistas a uma formação crítica dos alunos.

Na escola nova, o objetivo do ensino da arte era mudar o comportamento dos alunos com vistas à formação profissional.

A criatividade e os processos criativos implicados na produção de uma obra de arte fornecem inovações e evoluções formais à tradição artística.

Como processo essencialmente intuitivo, a criatividade deve ser incentivada, por meio de atividades e abordagens teóricas que possibilitem ao educando se expressar livremente.

Os processos criativos, se adequadamente conduzidos, podem contribuir para que o educando, por meio de expressão artística, evoque e supere memórias traumáticas.

O ato de criar nas artes, como um pensar consciente e específico sobre um fazer concreto, transcende estados subjetivos, dialoga com contextos históricos-sociais e se materializa formal e conceitualmente na realidade concreta.

Nas artes visuais, os processos criativos, com os avanços tecnológicos e os procedimentos de apropriação, já não são parte constitutiva do ato de criar.

A Abordagem Triangular, apesar de trazer um importante aporte para o ensino da arte, foi pouco utilizada no ensino-aprendizagem nas escolas, pelo fato de ter sido desenvolvida como uma ferramenta de mediação das obras exibidas em museus de arte contemporânea.

A Abordagem Triangular propõe como processos imprescindíveis para a alfabetização visual: a contextualização e a inscrição histórica da obra, a apreciação crítica das imagens e o fazer artístico consciente.

A Abordagem Triangular é um método que auxilia o professor a fornecer uma leitura crítica e historicamente contextualizada das imagens na contemporaneidade.

A Abordagem Triangular se estrutura em três processos principais: a análise comparativa das obras de arte, a descrição da obra e a realização de uma releitura da obra estudada.

A Abordagem Triangular, tomando como fio condutor aspectos biográficos do artista, contextualiza historicamente a obra e enfatiza a apreciação e a produção artística a partir das vivências dos educandos.

Apesar do caráter plural do trabalho artístico, o realismo e o formalismo acadêmico permanecem estruturantes no ensino da arte na contemporaneidade.

Diante da liberdade formal, o ensino da arte deve ser fundamentado no conceito e não na forma artística.

Considerando que, na produção artística atual, existe uma dissociação entre forma, conceito e realidade, o ensino da arte deve fundamentar-se na livre expressão.

O ensino-aprendizagem de uma arte que já não conta com os parâmetros e valores estéticos tradicionais deve fundamentar-se na teoria e crítica de arte.

Diante da complexidade e multiplicidade das proposições artísticas, construir, conhecer e exprimir são processos imprescindíveis para ensino-aprendizagem da arte na atualidade.

Seu caráter acadêmico, respeitando as tradições da visualidade construídas ao longo dos séculos da história da arte ocidental.

Seu caráter experimental, necessitando de conhecimentos técnicos avançados com foco no produto final.

A especificidade técnica, necessária para os artistas se expressarem, e a exclusividade do público, que precisa conhecer profundamente a história da arte para acessar os trabalhos.

Seu caráter experimental, a liberdade dos artistas para cruzar fronteiras das linguagens artísticas, a possibilidade de participação por meio do público e o foco no processo.

A especificidade de linguagem, diferenciando-se de outras linguagens artísticas, e o foco nos procedimentos teóricos.

A aproximação de vários pontos causa um efeito visual de agrupamento, por isso, os pintores impressionistas realizavam composições que permitiam uma percepção de volume a partir da fusão, contraste e organização dos pontos.

As pinturas pontilhistas são composições simples, pois são realizadas apenas com pontos, por isso, não há movimento, contraste ou intensidade na imagem.

Composições realizadas a partir de pontos são de pouco interesse visual, pois o dinamismo de uma composição depende da complexidade dos elementos que a compõem. Por isso, as pinturas impressionistas eram pouco complexas.

Uma série de pontos seguidos e contínuos causa um efeito de desagrupamento, tornando a imagem mais fragmentada e de difícil leitura. Por isso, os pintores impressionistas procuravam reduzir ao máximo o número de cores, para causar maior impacto visual, aproximando-se de figuras geométricas.

Em uma composição estruturada apenas por pontos, não há direcionamento do olhar, já que a percepção de movimento é causada apenas pelo contraste de linhas, formas e cores. Por conta disso, os pintores impressionistas preocupavam-se em contornar com linhas contínuas as figuras, para que tivessem maior contraste visual.

Os trabalhos de Bernini apresentam pouco dinamismo visual, já que o artista considerava apenas um ponto de vista para o observador. Além disso, as esculturas possuem um acabamento com muita textura, rudimentar e com marcas do processo de realização, elementos que marcaram a produção desse artista.

As esculturas eram planejadas para que fossem vistas a partir de muitos ângulos, por isso, foram colocadas em pedestais que permitiam essa variação. Além disso, o acabamento das obras de Bernini sugere o realismo e, para ele, a relação de luz e sombra não era relevante, sendo prioritária a semelhança da escultura com o modelo.

As características principais das esculturas de Bernini são o acabamento, com marcas de ferramentas e do processo de realização, apresentando muitas superfícies e volumes irregulares para causar maior dinamismo. Além disso, preocupava-se com a diversidade de pontos de vista para o observador; os volumes eram valorizados pelo acabamento, sem se preocupar com a relação de representação do modelo.

As esculturas eram planejadas para serem observadas de pontos de vista específicos, por isso, muitas vezes o artista projetava também a iluminação e o espaço em que a escultura seria instalada. Além disso, seus trabalhos apresentavam um realismo dinâmico, em que o contraste de luz e sombra era valorizado para a realização dos volumes.

Os trabalhos de Bernini apresentam grande dinamismo visual, pois o artista considerava mais que quatro pontos de vista para o observador. Além disso, as esculturas possuem acabamentos diferentes, misturando áreas polidas e detalhadas com áreas inacabadas.

Rodin trabalhava principalmente com a modelagem pelo método aditivo. O modo de tratamento da superfície tem características de obra inacabada, com um aspecto extrovertido, generalizado e agressivo. Em contraposição, Brancusi dedicou-se ao entalhe pelo método subtrativo, com um trabalho mais privado, silencioso e concentrado no seu modo de representação.

Rodin trabalhava principalmente com a modelagem pelo método subtrativo. Apesar de representar temas públicos, seus trabalhos têm um aspecto silencioso, tenso e contido, pelo modo de tratamento da superfície. Em contraposição, Brancusi dedicou-se ao entalhe, pelo método aditivo, com um trabalho mais extravagante, detalhado e complexo no seu modo de representação.

Rodin trabalhava principalmente com entalhe pelo método aditivo. O modo de tratamento da superfície mostra o processo de realização no material, com um tratamento introvertido, com poucos detalhes e com acabamento altamente polido. Em contraposição, Brancusi dedicou-se à modelagem, pelo método subtrativo, com um trabalho mais público, monumental, extrovertido, detalhado e expressivo no seu modo de representação.

Rodin trabalhava principalmente com entalhe pelo método aditivo. O modo de tratamento da superfície era repleto de detalhes e com um aspecto geometrizado e linear. Em contraposição, Brancusi dedicou-se à modelagem, pelo método subtrativo, com um trabalho mais intimista e rebuscado, com aspecto rústico, extrovertido e gestual.

Rodin trabalhava principalmente com entalhe pelo método aditivo, com o modo de tratamento da superfície simplificado e polido. Em contraposição, Brancusi dedicou-se à modelagem, pelo método subtrativo, com um trabalho com aspecto inacabado e complexo, projetando nichos específicos para suas obras.